6 Payau #2 Waterproof
Yola yulfianti-Payau #2 Waterproof-trailer dance performance
Watch this video on YouTube
Payau #2 Waterproof is a dance performance choreographed by Jakarta Institute of Arts (IKJ) alumna Yola Yulifianti. It was performed at the 2012 Indonesia Dance Festival as the main piece for the entire festival. It consists of movement choreographed to the beat of dripping water and a dance solo where the dancer has a pink bucket on their head while they perform.
Yulifianti’s choreography examines the social problems within communities, and Payau #2 Waterproof is no exception. This piece was created through the process of working with the people of Penjaringan, North Jakarta, Indonesia.
Мартин Крид. Произведение № 227. Свет включается и выключается. 2000
«Произведение № 227», впервые показанное на выставке премии Тернера 2001 года, представляет собой пустой выставочный зал, в котором с интервалом в пять секунд включается и выключается свет. Хотя Мартин Крид был номинирован за персональные выставки в Саутгемптоне, Лидсе, Ливерпуле и Лондоне, именно новое «Произведение № 227» вызвало фурор в СМИ: многие журналисты задавались вопросом, можно ли вообще считать это искусством. Вспоминали и другие работы Крида — в разное время он выставлял скомканный лист бумаги, кусок пластилина и живых легкоатлетов. Все его творчество, предлагающее по-новому переосмыслить повседневные предметы или действия, посвящено акту зрительского взгляда и опыта искусства. В «Произведении № 227» Крид предлагает зрителям подумать о самом пространстве выставочного зала: то, что обычно воспринимается как фон для произведений искусства, он выводит в центр внимания.
Сантьяго Сьерра. Десятидюймовая линия, выбритая на головах двух наркоманов, получивших в качестве оплаты дозу героина. Октябрь 2001, Пуэрто-Рико. Кадр из видеодокументации. Santiago Sierra
Сантьяго Сьерра. Десятидюймовая линия, выбритая на головах двух наркоманов, получивших в качестве оплаты дозу героина. 2000
Перформанс входит в весьма провокационный цикл работ Сантьяго Сьерры об экономической и социальной структуре капиталистического общества. Художник нанял двух героиновых наркоманов из бедного района в Пуэрто-Рико, чтобы они позволили сбрить им часть волос на голове; процесс фотографировался и записывался на видео. Для других своих работ Сьерра нанимал бездомного, чтобы тот на вернисаже чистил ему ботинки; платил десятку людей, чтобы те позволили вытатуировать им на спинах прямую линию; приглашал иммигрантов из Ирака, чтобы те за деньги стали моделями для скульптур — их поливали полиуретановой пеной. Нарочито спекулятивное искусство Сьерры исследует влияние капитализма на маргинальные слои общества: иммигрантов, наркоманов, неквалифицированных рабочих. Эти люди, обычно остающиеся вне поля зрения властей, у Сьерры становятся главными героями; он представляет их как объекты для развлечения — и возмущения — художественной публики.
Йоко Оно. Моя мама была прекрасна. 2004.Ливерпуль. Фото: Саймон Хилтон, Yoko Ono
Описание
Как в один ряд можно поставить “Мону Лизу” и прилюдное отрезание ушей? А ведь в современном понимании всё это есть “искусство”, только формы разные. Цепочка преобразований от классических картин к перфомансам обусловлена как техническим прогрессом, так и кровавыми страницами истории, подтолкнувшими к осознанию ценности каждого мгновения жизни. Но обо всем по порядку.
Классическое изобразительное искусство прежде всего зиждется на эстетической составляющей. Разумеется, мы не можем назвать его безидейным, но главным критерием “хорошего” произведения все же было мастерство исполнения, умение точно и достоверно, но вместе с тем эффектно отразить действительность. В классическом искусстве хороший художник — мастер своего дела, виртуозный ремесленник, переносящий реальность на полотно.
С появлением фотографии “хорошее произведение” (с точки зрения его достоверности) получить стало гораздо легче, а если поиграть со светом и ракурсом, то кажется, что краски и кисти и вовсе уже атавизм. Но технический прогресс не уничтожил классические “рукодельные” подходы, а дал им полную свободу. Современное искусство сосредоточилось на изображении не реальных объектов, а мыслей, впечатлений и образов автора.
Мир наших осознаний безграничен, полет мысли и всепоглощающие чувства сложно уместить в рамках холста, поэтому в XX веке авангардисты главной своей задачей ставили поиск новых способов выражения для преодоления границ. Искусство перестало ограничиваться привычными полотнами, на пике было смешение живописи с разными формами — танец, декламация стихов и пр. Сам процесс рисования зачастую превращался в театрализованное представление, а потом “рисовать” и вовсе стало не обязательно, ведь “изобразить” свои мысли можно и телом, художник и сам своими действиями может напрямую выразить то, что хочет сказать, в режиме реального времени, так сказать, “онлайн”.
На появление “реального” формата повлияло не только желание расширить традиционный инструментарий, но и потребность в получении эмоций здесь и сейчас. XX век был омрачен двумя мировыми войнами, что подтолкнуло людей к осознанию ценности каждого мгновения. Перфоманс в некотором роде можно назвать художественным “последствием” двух мировых войн, он призывает нас к проживанию эмоций не откладывая на потом.
Отличительной особенностью перфоманса является его неповторимость — невозможно повторить ни одно действие в точности одинаково, к тому же, изменяется и окружающая среда, даже само место действия в зависимости, например, от времени суток, погодных условий и пр. Да и настроение “наблюдателя” этого действия уникально в каждый момент времени — мы на одно и то же смотрим по-разному в зависимости от своего состояния.
Перфоманс пронизан идеей неповторимости мгновения и допущением, что завтра может и вовсе не наступить. Если хочешь самовыражаться, дерзай здесь и сейчас!
Re-Enactment by Francis Alÿs, 2001
Though Francis Alÿs’ best-known work is undoubtedly When Faith Moves Mountains, his Re-Enactment piece seems to carry more personal risk as well heavier social critique. The Belgium-born Alÿs walked into a Mexico City gun shop in 2001 and legally bought a Beretta. He then left the shop and began walking the streets with the firearm very visibly displayed. After 11 minutes of wandering around, whistling, Alÿs was stopped and arrested. The very next day, the artist convinced the police to recreate the series of events. Both the original and the Re-Enactment were filmed and are shown side-by-side.
Cabaret Voltaire by Various Artists, 1916
The inklings of what performance art could achieve, outside of a theatrical context, stem from the Dada movement’s home base in Zurich, at the legendary Cabaret Voltaire. Founded in the backroom of the Holländische Meierei tavern in 1916 by Hugo Ball and Emmy Hemmings, the Cabaret Voltaire was a space of raucous artistic experimentation that many times led to the uproar of the crowd-more than once, the audience attacked the stage of the Cabaret in protest. The radical, chaotic performances happening here included new forms of poetry, avant-garde music, mutations of costumes, paintings, and simultaneous performance of all these. The Cabaret Voltaire helped expand international cultural ideas, as refugees from all over Europe during World War I found a creative outlet in the Dada Haus, as it was also known.
Wu Tsang
Identity and performance are almost inseparable. Even when the performer’s physical body is taken away from the piece there is an undeniable personal touch and an immediate impression that shine brighter than in other disciplines. For Wu Tsang, expressing identity is shown in an unprecedented exploration outside of the binary to connect with in-betweenness by capturing aspects of otherness within LQBTQ culture that go far beyond mere visibility. Digging deeper past skin-deep confrontations of identity and appearance, Tsang seeks to embody the full social reality of existence for those who do not fit the dominant mold. Her works have highlighted communities that have been on one hand appropriated for cultural gain while having to live unsafely and villainized in everyday society. These range from migrant Latin queer communities in Los Angeles, exploring the history of the persecuted queer culture in China, and the black and brown ballroom culture of New York.
Guerrilla Girls Lois Greenfield
Adrian Piper
Adrian Piper’s innovations through experimentations with the relationship between individual identity and societal perception have paved the way for performance artists’ use of self and identity to this day. Her reach extends well beyond performance, and without her influence, the world for artists working with conceptualism, feminism, and minimalism would be quite different today. Considering how society at large interacts with and perceives the individual, Piper forms her most notable works around the “gift” and intricacies of passing. Piper describes early in her career meeting with galleries who expected a white male due to her name and the resulting disappointment and confusion to then come face to face with a woman of color. She would address this through performance works, putting on the persona of a black presenting male in her works The Mythic Being or refusing to be shown in all-black shows which she referred to as ghettoing, even retiring from being black and rather identifying as a shade of grey to reflect her 1/8th black ancestry.
Sound Suits Nick Cave. Courtesy of the artist and Jack Shainman Gallery, New York. Photos by James Prinz Photography
America I-IV by Laurie Anderson, 1984
For decades, Laurie Anderson has been simultaneously one of the most accessible and highly regarded figures in the artistic vanguard, being able to ascertain just exactly the climate of life in the United States, without being so punctuated that it causes a standoff. Perhaps the zenith of this configuration was her multimedia performance, «United States I – IV.» Anderson composed 8-hours worth of music including compositions for instruments of her own invention, animations, and spoken word. The album was released as a 7-hour box set, which incensed her record executives after the fluke #1 U.K. hit of «O Superman» in 1981. Anderson has been a creative whirlwind since the ’70s, displaying her vast, incisive range of talents on the «United States Live» recordings.
Gutai by Various, 1956
The Gutai Association, a post-World War II Japanese collective that translates to «Concrete Art Association,» or «Embodiment,» depending on the translation. It is hard to point to one specific piece from the large, multifaceted Gutai exhibitions-the group’s mix of theater, dance, visual art, and philosophy is said to prefigure Happenings by nearly a decade. Gutai dissolved when Yoshihara Jiro, the group’s leader died in 1972. Jiro engaged in correspondence with American Happenings artist Allan Kaprow, resulting in engaging multimedia art that traded ideas across an East-West dialog in a way never before realized.
Yoko Ono
Embraced by popular culture, and perhaps the most well-known – however little understood – artist of recent times, Yoko Ono’s reach is undeniable. Her relationship to performance comes from an affliction with the musical world and is vital to understanding her practice. From beginnings with piano at an early age, musical quality and approach to her work can be seen especially through composition. In an early but continued series, Ono creates small instructional performance pieces anyone could recreate at home almost to be read like sheet music. Ono explores an inviting and particularly light yet impactful participation that celebrates the small actions, and questions how much as artists and individuals we chose to give. Her wish trees show how activism, social inclusion, and cooperation go hand and have possibly had the largest reach and participation of any work today with millions of handwritten wishes being collected since 1996.
Tehching Hsieh, Art/Life One Year Performance 1983-1984, New York. 1984 Tehching Hsieh, Linda Montano. Courtesy of the artists and Sean Kelly, New York.
Феминистское искусство Японии: арт-перфомансы, которые достойны вашего внимания
Современное японское феминистское искусство раскрывает уникальные перспективы на гендерное равенство и самовыражение в современном обществе
Одной из самых провокационных и захватывающих форм этого искусства является арт-перформанс – необычная, иногда шокирующая практика исполнения искусства, в которой феминистки в японском обществе находят свободу самовыражения и привлекают внимание к проблемам, с которыми они сталкиваются
1. Касуми Ивама
В своей работе «I am Somebody’s Manic Pixie Dream Girl» художница поднимает проблему изображения женщин в массовой культуре. За основу она берёт архетип «Маниакальная девушка-мечта», в котором женщина рассматривается не как самостоятельная личность с жизненной историей, а как способ реализации главного героя-мужчины. Тем самым авторка поднимает вопрос о роли женщины в японском обществе.
 |
| «I am Somebody’s Manic Pixie Dream Girl», Касуми Ивама, год неизвестен |
В ещё одной своей работе, «Self Portrait», Касуми Ивама изображает японских женщин с наложенными на их лица европеоидными глазами. В данной исталляции художница поднимает проблему критичного отношения к внешности среди азиатских женщин и распространённости пластических операций.
 |
| «Self Portrait», Касуми Ивама, год неизвестен |
2. Мако Идемицу
В своих работах Мако Идемицу поднимает тему тяжести жизни японской «хранительницы очага» и матери, демонстрируя, как патриархальное устройство семьи разрушает личность японских женщин, запертых дома после брака.
 |
| «Another Day of A Housewife», Мако Идемицу, 1977 год |
В своих короткометражных фильмах Мако демонстрирует реалии жизни японской женщины, не избегая таких ужасающих сцен, как домогательство и насилие.
3. Тари Ито
Художница высказывается на тему сексуализированности женского тела.
В своём перфомансе «Я бы не забыл тебя» Тари Ито лопала черные воздушные шары, а затем чистила лук на фоне архивных фотографий корейских женщин, ставших жертвами военного насилия во время Второй мировой войны.
 |
| «Я бы не забыл тебя», Тари Ито, 2006 год |
4. Йоко Оно
Йоко Оно стала очень важным деятелем современного искусства феминистичной направленности.
В одном из своих наиболее популярных перфомансов женщина сидела перед публикой неподвижно, позволяя всем желающим отрезать какую-либо часть одежды на себе. Этим представлением она продемонстрировала бессилие женщин в японском обществе.
 |
| «Cut Piece», Йоко Оно, 1964 год |
Кроме того, Йоко оно посвятила несколько видеоработ проблемам, с которыми сталкиваются женщины ежедневно. Одна из таких – короткометражный фильм «Rape», главная героиня которого не может укрыться от назойливого внимания камеры, которая преследует ее по улицам Лондона, через парк, не позволяя уединиться, и чуть не заставляет ее выйти на дорогу, по которой едет грузовик. Она пытается скрыться на такси, но ее продолжают преследовать. В конце концов она оказывается загнанной в угол квартиры, из которой, видимо, не может выбраться, и ее слезные мольбы к камере остаются без внимания.
 |
| «Rape», Йоко Оно и Джон Леннон, 1968 |
5. Йошико Шимада
Йошико Шимада, как и Тари Ито, уделила большую часть своего творчества памяти жертв сексуализированного насилия женщин во время военных действий.
В инсталляции «Черные ящики + диктофон» Йошико Шимада представила черные деревянные ящики с цепями, внутри которых под водой лежали фотографии бывших «военных женщин для утех». На фотографиях не было рта, однако подключенная аудиозапись рассказывала их опыт за них. Эта работа была рефлексией над коллективной исторической травмой, произошедшей в военное время, и основной ее посыл был в том, что об этой истории нельзя забывать, иначе японское общество никогда не освободится от кошмара войны.
 |
| «Черные ящики + диктофон», Йошико Шимада, 1996 год |
Японское искусство в целом старается избегать остросоциальных и политических тем, тем более вопросов, связанных с гендерной проблематикой, поэтому несмотря на то, что художницы всё чаще и чаще обращаются к феминистским идеям в своих работах, отношение к ним не становится теплее в академических кругах. Это подтверждается тем, что женщины-художницы всё ещё крайне мало представлены в выставках и коллекциях японских музеев. Их творения по-прежнему не считаются чем-то серьезным, а потому обретают большую поддержку зарубежом.
7 Gavin Krastin’s BODY/BAG
Epoxy (2016)
Watch this video on YouTube
Gavin Krastin is a South African choreographer, curator, and performance artist that proudly represents the LGBTQ+ community. He is known for his extreme and out-there performance art, self-describing his work as prompting the audience to question what is ugly and what is beautiful.
His work, BODY/BAG, is supposedly a commentary on race and politics. However, he doesn’t go much into detail about what exactly that means. This performance and EPOXY (2016) both involved vacuum-sealing his naked body in a human-sized plastic bag.
Some of his other works involve having someone eat food off of his naked body, attaching himself to a chair and dancing, and filling his lips with clothespins while holding a pig’s head.
Джейк и Динос Чепмены. Семейная коллекция Чепменов. 2002
Инсталляция из 34 резных деревянных скульптур была впервые выставлена в лондонской галерее White Cube, и в аннотации к выставке говорилось, что это коллекция редких этнографических и культовых предметов поклонения, которую семья Чепменов собирала более 70 лет. Однако, присмотревшись внимательнее, по некоторым неожиданным деталям можно было понять, что скульптуры — не то, чем кажутся. Одна из них на самом деле изображает клоуна Рональда Макдональда, форма другой напоминает пакет с картофелем фри из того же «Макдональдса», а некоторые явно отсылают к работам художников-модернистов, например, Константина Бранкузи. «Семейная коллекция Чепменов» — провокационный рассказ об апроприации европейским искусством «первобытного стиля» и о том, как предметы поклонения со временем становятся товаром, а товар — предметом поклонения.
Ализа Шварц — Abortion art, 2008
Будучи студенткой докторантуры Йельского университета, Шварц создала провокационную работу, комментирующую тему абортов и прав женщин на своё тело. В ходе перформанса художница неоднократно оплодотворяла себя и спустя 28 дней после оплодотворения принимала препараты, провоцирующие смерть плода. Она запечатлевала себя в тот момент, когда плод покидал её тело. Перформанс вызвал огромный резонанс и недовольство общественности. Йельский университет до сих пор пытается опровергнуть существование работы.
Марина Абрамович — «Ритм 0», 1974
Кульминацией экспериментов над своим телом в творчестве Марины Абрамович стал перформанс «Ритм 0» в галерее Morra в Неаполе. Художница предложила зрителям с помощью 72 предметов сделать с её телом всё, что угодно. Шляпа, виноград, розы, ножницы, нож, хлыст и даже заряженный пистолет находились среди предметов
Поначалу зрители вели себя осторожно, но отсутствие реакции на их действия со стороны Абрамович спровоцировало агрессию. Зрители изрезали её одежду, раздели девушки, порезали ножом, искололи шипами розы живот
«Я чувствовала реальное насилие: один взял пистолет и прицелился мне в голову, но другой забрал оружие. Воцарилась атмосфера агрессии. Через шесть часов, как и планировалось, я встала и пошла по направлению к публике. Все кинулись прочь, спасаясь от реального противостояния».
Guerilla Girls
Operating in anonymity behind comical gorilla masks (which began from an internal misspelling of Guerilla), the originally feminist-oriented group holds firmly onto its relevance since its beginnings in the 1980s to advocate for equality across the board within the art world. Through their ingenious use of marketing-reminiscent language and statistics, the group first gained the art world’s attention with a guerilla campaign plastering Manhattan with posters against the incredibly male-heavy showing of MoMA’s 1984 International Survey of Recent Painting and Sculpture, where among 165 featured artists, only 13 were women. Their incorporative approach and redefining of performance taken through activist statements make many question the line between contemporary art collectives and social activist groups like Green Peace.
Marina Abramović, The Artist Is Present (2010), Museum of Modern Art, New York. Abramović’s former partner Ulay joins her during her performance at her career retrospective.
Перформанс: что это такое?
Чаще всего перформанс заранее спланирован, но иногда его точный ход не может предсказать никто. Взаимодействие художника и зрителя это главное в перформансе, причем оно может быть как просто визуальным, так и предполагать прямой контакт. По сути перформанс это один из видов акционизма. Отличие от обычных визуальных форм искусства в том, что главное в перформансе это не само произведение, а художник и его взаимодействие с публикой. Музыкальное, танцевальное или цирковое выступление тоже могут называться перформансом, но мы сейчас говорим о нем, как о явлении в современном искусстве, где он представляет собой намного более сложное и многогранное понятие.
1 Senga Nengudi’s R.S.V.P.
Radical Presence: Black Performance in Contemporary Art – Three Performances
Watch this video on YouTube
Senga Nengudi is an African-American visual artist with a very long and impressive career. According to MOMA, her career began along with a collection of other black avant-garde artists from New York and Los Angeles throughout the 1970s and 1980s. She worked in famous galleries such as Just Above Midtown (JAM), as well as the Pearl C. Woods Gallery in LA, paving the way for future black women in visual and performance arts.
R.S.V.P. is a series of performances and installations using “previously worn, dark-hued pantyhose partially knotted into pendulous, sand-filled sacks, then stretched and tethered to the wall in various changing arrangements.” These installations then become vessels for performance, where Nengundi and collaborators like Maren Hassinger entangle themselves in and interact with the pantyhose.
Honorable Mentions
Unfortunately, we had to narrow this list down to just ten, but here are some honorable mentions that just about made the cut (if only to keep this as family-friendly as possible):
- Pope L. performing Eating the Wall Street Journal (2000)
- Cabaret Voltaire (1916) by Various Artists
- Trans-fixed (1974) by Chris Burden
- Self Obliteration by Ron Athey
- Testicle Banquet (2012) by Mao Sugiyama
- Rhythm 5 by Marina Abramović
fact checked by
Rachel Jones
«Я, оказывается, всё время просто читала буковки»
Года три назад мы обсуждали с сестрой чтение книг. Она говорила, как это полезно — обдумывать, не торопясь, каждое слово, останавливаться и представлять себе персонажей, интерьер комнаты или пейзаж. А я, оказывается, всё время просто читала буковки.
Только в 19 лет я стала задумываться о своем воображении — экспериментировать, проходить всякие квесты. Я записывала на бумажку задания вроде, например, такого: «Представь щенка. Он сидит или стоит? Пушистый или гладкошерстный? А какого он цвета?» Пыталась визуализировать что-то в своей голове, но цельного объекта у меня не получалось — только отдельные расплывчатые куски, «перетекающие» друг в друга. А иногда и просто набор характеристик в виде текста.
В 2016 году один из создателей Firefox Блейк Росс написал в фейсбуке: «Я только что узнал кое-что о себе, и это взорвало мой мозг». Так он прокомментировал свою афантазию. Западные СМИ стали публиковать скриншоты его поста, и это вызвало огромный резонанс.
А в декабре 2017 года Алан Кендле рассказал свою историю в книге «Афантазия: опыт, восприятие и понимание», после чего многие стали замечать, что тоже не способны оперировать зрительными образами у себя в голове. Для общения таких людей даже была создана сеть The Aphantasia.
Я бы не назвала себя афантастиком в полном смысле слова. В отличие от большинства, мне повезло: у меня хорошая визуальная память — могу запомнить стихотворение, прочитав его три раза вслух. Афантазия не мешает мне жить.
Обычный поток мыслей в моей голове — это не черный экран, а трансляция того, что я получаю с помощью зрения. К примеру, с утра я не представляю, как пройдет мой день, а будто вижу письменные заметки. Очень полезная черта для режиссера! Своей профессиональной деятельностью я занимаюсь только в момент работы, здесь и сейчас, без лишних мыслей. Я не лежу дома, представляя, как бы лучше обыграть сцену с героями.
Обычный для всех визуальный процесс у меня описательный — я пишу чувства, а не вижу картинки.
В школе на уроках рисования мне было трудно: учительница постоянно просила нас представить то, что будет на полотне, и большинство закрывали глаза и сидели так несколько минут. У меня не получалось. В моей голове будто звучал внутренний голос, который твердил: «Нарисуй желтый круг, а от него палочки. Если спросят — скажи, что это солнце». Сейчас, вспоминая такие моменты, радуюсь, что у меня не развилась шизофрения.
Некоторые мои знакомые до сих пор мне не верят. Они говорят: «Напридумывала — сейчас каждый второй хочет казаться особенным». Ну да, я и правда «особенная». Но это не делает меня лучше или хуже.